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P: Sobre o concerto no Mar Morto.
Concerto Zero Gravity – Mar Morto
JMJ: Apenas algumas horas atrás, eu cheguei de volta a Paris de Israel, depois de atuar no Mar Morto. Sou um Embaixador da Boa Vontade da ONU pela UNESCO há 25 anos. O Mar Morto está perdendo um metro de água por ano devido às mudanças climáticas. É um ecossistema como o Ártico ou a floresta amazônica, mas ninguém está cuidando dela. Como músico, apenas fazer barulho pode contribuir para aumentar a consciência da situação e consciência pode levar à ação. Foi um fantástico concerto ao ar livre. Foi divertido e muito dinâmico. Ele também estava contribuindo para ajudar a resolver uma situação dramática e escura. Assim, a música pode conseguir uma mistura de resultados e contextos sociais.
P: Sobre o álbum Radiophonie Vol. 9
JMJ: Eu considero um álbum não oficial. Eu fiz isso durante o tempo que eu estava fazendo Electronica e Oxygène 3. Eu fui pedido pela rede pública francesa de rádio e televisão para compor música para eles. Eles perguntaram ao meu gerente se eles poderiam lançar 2.000 cópias do álbum e eu concordei. Foi muito divertido de fazer porque eu nunca tinha feito isso antes. A ideia era que a France Info tivesse diferentes formas de meu tema “Hexagone” disponíveis para ele.
Estes dias, a notícia é tão escura. Eu queria ser inovador com este trabalho. Eu também não queria adicionar paranoia à música. Eu queria evitar ser muito dramático. Mas tinha que ser capaz de criar tensão suficiente para suportar as necessidades de um canal de notícias. Então, foi um projeto bastante interessante. Era realmente como criar uma trilha sonora para um script de notícias. Perguntei a mim mesmo: “O que significa ter música acompanhando as notícias hoje?” Quando você ouve a maioria dos canais de notícias, eles ainda soam como se fossem os anos 90, com muitas idéias e sons tradicionais. Eu queria criar algo mais em fase com os nossos tempos.
P: Seu álbum de 1984 Zoolook é um dos álbuns mais influentes na história da música eletrônica. Reflexão sobre a intenção da gravação, 33 anos depois.
JMJ: Zoolook era interessante porque reflete minha opinião que a tecnologia dita estilos e não o reverso. É porque o Fairlight foi inventado que eu fiz o que eu fiz no álbum. Da mesma forma, é porque a guitarra elétrica foi inventada que Chuck Berry fez o que ele fez. Quando surgiu o primeiro Fairlight, foi o primeiro sampler feito e também foi uma máquina polifônica. Ele mudou a forma como fomos capazes de fazer música. Eu poderia gravar o som de um cão e criar acordes com as cascas do cão. Foi bastante inovador e novo. Zoolook é baseado nas possibilidades de amostragem(samplers). A idéia era criar um álbum vocal, mas não usar vocais de forma tradicional, em termos de ter um cantor com letras. Em vez disso, tratava-se de roubar línguas de todo o mundo. Eu samplei artistas, obscuras estações de rádio russas, tribos africanas, e muito mais. Eu usei essas amostras como matéria-prima para o álbum. O material era como a pedra que eu costumava esculpir batidas, linhas de baixo e melodias. Tudo veio de pedaços sampleados de pedaços de línguas de todo o mundo.
Quanto à influência de Zoolook, eu sempre faço música sem pensar no público. Como músico, sempre gosto quando minha música é entendida e compartilhada, mas a música é realmente um vício para mim. Artistas que são músicos por toda a vida, não estão fazendo isso por fama, reconhecimento ou dinheiro. É mais porque psicologicamente não podem fazer mais nada. Acho que me tornei um arquiteto decente de música – ou um astrofísico medíocre. [Risos] Todas as manhãs, eu ainda acordei com o mesmo apetite por explorar sons e desenvolver projetos. Eu não ouço a minha música tanto depois de ter sido feito. Mas eu toquei “Ethnicolor” e algumas partes de “Zoolook” no concerto do Mar Morto e no palco eu pensei “Wow”. Eu percebi o quão complexo e interessante é a música. Além do som da bateria, o álbum é bastante atemporal.
P: Sobre “Music for Supermarkets”:
JMJ: Fiz isso há trinta e quatro anos como uma espécie de protesto contra a indústria da música. Os álbuns estavam sendo distribuídos em lojas de departamentos e vendidos como pasta de dentes e sabão e por isso eu dei esse título. Eu também vi o fim de lojas de discos chegando que eram o elo emocional entre músicos e aficionados de música.
Musicalmente foi muito perto de Zoolook porque eu fiz isso no mesmo ano. Eu estava lidando muito com samplers e sons do Fairlight, mas não era de todo baseado em vocais como Zoolook. Foi construído a partir de uma abordagem de amostragem para a música, então nesse sentido, é parte da mesma família de música.
Ao criar este álbum, eu queria-me concentrar na ideia de trabalho criativo e o fato de que os artistas não são apenas provedores de conteúdo. Fazer isso era premonitório do que aconteceria mais tarde com a Internet. O conceito era que um álbum é como uma pintura. Tem o mesmo tipo de valor. É algo original e único. Eu estava dizendo que a vulnerabilidade do artista está lá nesse álbum. O músico teve a mesma luta que o escritor ou pintor que estava na frente de uma página branca ou tela em branco antes que eles criaram seu trabalho. Eu queria que as pessoas entendessem e apreciassem isso. O processo criativo é bastante frágil e temos de ter empatia sobre esse processo.
Além disso, eu estava dizendo: “Vamos ter respeito pela música e por discos de vinil”. Naquela época, os CDs estavam sendo introduzidos como o santo graal da música, representando o máximo em qualidade de som e durabilidade. Agora sabemos que CDs são uma porcaria. A realidade dos CDs era o inverso do que a indústria da música estava dizendo sobre como eles eram permanentes. Ainda podemos tocar discos de vinil fabricados nos anos 50, mas não podemos tocar alguns CDs lançados nos anos 80 e 90. Por outro lado, a música existia antes da eletricidade e ela existirá depois da Internet.
P: Dado o tempo que já passou, você poderia liberar a gravação no futuro para que todos possam ouvi-lo?
JMJ: Não. Nem tenho uma cópia. A beleza dele era realmente ter somente uma única cópia no mundo e destruir as fitas e as masters para assegurar-se de que remanescesse o caso. Eu sabia quem era o dono, mas ele morreu. Eu perdi as faixas do álbum.
P: o músico experimental e compositor Pierre Schaeffer foi um mentor precoce e influência-chave em sua música. Qual é a sua perspectiva sobre como seu trabalho ressoa hoje?
JMJ: Pierre Schaeffer é o avô dos DJs. Durante a década de 1940, ele fez tudo. Ele criou loops de 78 registros RPM. Ele acelerou-os para cima e para baixo, e depois processou os sons. Ele tirava microfones do lado de fora e gravava o som da chuva, do vento e da rua e usava-o musicalmente. Foi uma forma precoce de amostragem. Juntamente com Stockhausen, Pierre mudou o modo como abordamos a composição musical, influenciando os músicos até agora. Pierre sentia que a música não se baseava apenas em notas, mas também em sons e ruídos. Ele também pensou que a música eletrônica era como cozinhar. Então, ele iria “cozinhar” sequências, batidas, loops, texturas e formas de onda para fazer música de uma forma muito organizada. Em certo sentido, Pierre se aproximou da música como Jackson Pollock abordou a pintura. Era o mesmo tipo de coisa. Pierre continua a ser uma grande influência em todos os músicos eletrônicos, e especialmente em mim desde que ele era meu professor
P: Você é um defensor sincero dos direitos dos artistas e um dos primeiros críticos do impacto do streaming sobre a renda dos músicos. Qual é a sua avaliação da situação no momento?
JMJ : Os sistemas são neutros por definição. É a maneira que usamos esses sistemas que é a questão. Streaming é uma versão moderna da Internet do rádio. O problema é que temos de criar um modelo de negócio sério que beneficie os artistas. Na maioria dos casos, o streaming está gerando muito dinheiro para as principais gravadoras, mas a maioria dos criadores de música tem o equivalente monetário de uma pizza sem pepperoni de streaming até o final do ano. Esta situação tem de ser abordada e ajustada. Também não devemos considerar streaming empresas inimigos de músicos, porque na maioria das vezes as pessoas nestas empresas são grandes amantes da música. Mas nós devemos em um momento sentar-se logo na mesma tabela e tentar encontrar um contrapeso decente entre o dinheiro gerado no mundo inteiro pela música e as quantidades ridiculosamente baixas que os artistas começam a maioria do tempo.
Esta é uma questão muito importante. Esta situação está ligada à identidade cultural dos países. Não devemos ter nossos filhos e as futuras gerações acreditam que eles não serão capazes de fazer uma vida decente, criando música, livros ou filmes. Se isso acontecer, não teremos o próximo Quentin Tarantino, Beatles ou Jean-Michel Basquiat.
Fonte: http://www.innerviews.org/inner/jean-michel-jarre
L’EXPRESS – TORONTO (CANADÁ) 03/04/2017
P: O que levou você a orientar a sua carreira exclusivamente à música eletrônica, especialmente na década de 70?
JMJ: Descobri instrumentos eletrônicos no início dos anos 70, que foram um grande período de investigação e desenvolvimento nesta direção. Corresponderam exatamente à maneira que eu queria seguir música: ser meu próprio ‘Chef’ para criar, modificar, aperfeiçoar meus próprios sons, como uma cozinha.
Eu sou de Lyon, e Lyon, gostamos de pensar que somos a capital mundial da cozinha. Então, misture os ingredientes, sabores, temperos, como na pintura, especialmente não-figurativa, onde você trabalha as questões mais desenhadas (eu estava muito ligadas à pintura e eu hesitei um longo tempo entre pintura e música), sendo capaz de lidar não só com notas e teoria musical, mas também em termos de ruído, sons, poderíamos criar, salvar, eu senti que estas novas ferramentas e instrumentos iria mudar radicalmente a maneira de abordar a música, produzir, ouvir, e logo eu estava convencido de que o futuro era, em qualquer caso, meu.
NEW YORK MONTHLY (EUA) 01/05/2017
NYM: Por que levou tanto tempo para voltar para os Estados Unidos, e por que você nunca tocou em Nova Iorque antes?
Central Park, NY
JMJ: Eu me lembro de duas vezes que pensamos nisso, e planejamos um evento com Nova Iorque. Abraçamos fazer um grande concerto no Central Park e estávamos quase lá. Então por diferentes razões isso não aconteceu, e então eu não estava disponível para fazer. As coisas estão passando muito rapidamente para mim na minha vida e eu disse na última turnê que realmente gostaria de vir para a América do Norte com um projeto que foi feito sob medida para os States. Sobre Nova Iorque, quando eu era adolescente, fui pela primeira vez na frente de Radio City, e eu disse que meu sonho um dia seria tocar aqui.
NYM: A que idade foi essa viagem?
JMJ: Eu tinha 18 anos. Eu obviamente [sabia] do aspecto lendário do lugar, mas não sei porquê. Este lugar, para mim, você não poderia-me dar mais nada, nem Madison Square Garden, qualquer coisa. Quando eu discuti com William Morris, a primeira coisa que eu disse foi: “Ok, eu não me importo com mais nada, quero tocar no Radio City”, e aqui estou eu, então estou tão animado. Estou tão animado também porque amo Nova Iorque. Eu amo o aspecto agitado de Nova Iorque, e este concerto é bastante agitado; É bastante dinâmico.
Eu sempre quis transmitir através de imagens como eu me aproximo da música misturando e fazendo arquitetura de sons – paisagens sonoras – e para mim, Nova Iorque é tudo sobre arquitetura e sons e paisagens, paisagens urbanas.
NYM: O que Nova Iorque representou para você ao longo dos anos enquanto estava crescendo?
JMJ– Em primeiro lugar, estava ligado a uma abordagem fria e cuidadosa à pintura, música, The Village, jazz, Jackson Pollock. A cena artística de Nova Iorque para mim tem sido uma grande influência. Outra razão é, eu tenho sido ligado com o jazz [desde] uma idade muito jovem.A melhor amigA da minha mãe tinha o maior clube de jazz de Paris, onde pessoas de jazz moderno como John Coltrane, Don Cherry e Chet Baker estavam tocando. Eu era uma criança pequena durante a tarde apenas pendurando ao redor. Isto também é Nova Iorque para mim.
NYM: O que é importante para você ilustrar com esses dois álbuns que a música eletrônica realmente atravessa em toda a música? E há dois tipos de música eletrônica: há o processo de criação de música eletronicamente e, em seguida, há o gênero de música eletrônica.
JMJ: Música eletrônica como você disse está em toda parte por causa da técnica que usamos. Além disso, a música eletrônica para mim sempre foi um gênero como rock, hip-hop ou punk. Por razões muito simples, é porque é uma maneira diferente de se aproximar da composição musical. Antes da música eletrônica, estávamos nos aproximando da música, especialmente no mundo ocidental, escrevendo notas em um pedaço de papel e dando este pedaço de papel para músicos para tocar sua música.
Você tem na história da música pessoas que toda a sua vida escreveu música, composta de música, então nunca ouviu sua música porque eles não tinham um editor capaz de investir. Tudo estava em sua mente. Então, foi muito intelectual em um sentido, e de repente, com música eletrônica você se torna seu próprio artesão, você se torna seu próprio maestro, seu próprio editor, seu próprio produtor.
NYM: As colaborações da Electronica passam do punk ao rock, passando por músicas clássicas e cantoras. Você já foi atraído por um som particular que era popular em Nova Iorque, de rock and roll nos anos 50, folk nos anos 60, disco nos anos 70, punk e metal nos anos 80?
JMJ: É muito interessante que em Nova Iorque, como em qualquer outro lugar, cada década negou o que eles tinham. Nos anos 70, as pessoas estavam dizendo que os anos 60 eram tão grandes, e os anos 80 diziam que os anos 70, mesmo os primeiros zeros, eram ótimos. Então é assim, e Nova Iorque é muito parecida com isso por um longo tempo. Quando você olha para trás, você vê todas essas fantásticas décadas em Nova Iorque, quero dizer, do jazz e do blues ao rock, ao punk, ao hip-hop e também à música experimental. É incrível!
Fonte: https://nycmonthly.com/article/concert-spotlight-interview-with-jean-michel-jarre/
THE STARS (Toronto) e MONTREAL GAZETTE (CANADÁ) 03-04 /05/2017
Sobre a criação de “Oxygene” em 1976, usando alguns sintetizadores polifônicos:
JMJ : Os poucos que existiam estavam muito além do meu orçamento financeiramente, então eu fiz Oxygène com equipamentos muito minimalistas. O único instrumento polifônico que eu tinha era um conjunto de cordas chamado The Eminent. Caso contrário, eu tinha instrumentos monofônicos, e sem MIDI (o padrão técnico desenvolvido em 1983 que permite que os instrumentos eletrônicos e computadores se comuniquem), eu estava fazendo todas as sequências à mão. Foi muito trabalhoso.
Sobre seus mega-concertos:
JMJ: Tive a ideia de tentar criar esses grandes espetáculos e envolver muitos visuais em dias em que quase ninguém estava fazendo na cena rock. Agora todo mundo está fazendo isso: Quando eu vejo um festival de música, vejo algo que eu fiz há 25 anos.
Sobre tocar em Toronto no Canadá:
JMJ: Mas estou muito feliz em compartilhar este novo projeto com o público canadense, porque eu fui realmente inspirado pelo Canadá: Cirque du Soleil, IMAX, Omnimax, todos os desenvolvimentos da tecnologia digital. Estou animado para começar minha turnê norte-americana em Toronto.
Sobre tocar em Montreal no Canadá:
JMJ: É muito estranho. Por uma razão ou outra nunca aconteceu, porque eu estava ocupado com outras coisas ou as datas não estavam corretas . Também é especialmente estranho para mim, porque Montreal sempre foi uma grande fonte de inspiração, especialmente do ponto de vista visual. A cidade tem uma forte tradição de artes visuais, de Norman McLaren e Robert Lepage ao Cirque du Soleil e IMAX .
Turnê será lançada em BluRay ou DVD futuramente ?
JMJ: A maioria dos shows hoje em dia, você pode ir no YouTube e assistir a vídeos que mostram mais ou menos o que o palco se parece. Você pode ver alguns vídeos deste show on-line, mas você não vai conseguir o resultado correto. Eu nem vou lançar um Blu-ray ou DVD, porque até agora não encontramos uma maneira de filmar corretamente.
Com a turnê, Jarre abandonou o formato outdoor de seus concertos ?
JMJ: Eu fiz um monte de shows ao ar livre, e eu vou continuar fazendo-os, mas shows indoor são emocionantes para mim também, porque você pode controlar a escuridão – você pode controlar o preto.
A presença da cantora canadense Peaches no álbum Electronica:
Peaches canta “What You Want” com Jarre ao fundo.
JMJ: Para mim, todos os colaboradores de Electronica são músicos que foram e são uma fonte de inspiração – e que estão ligados de uma maneira ou de outra com a música eletrônica. Peaches é um artista extraordinária. Ela também é uma ativista e sua música eletrônica está ligada ao ativismo. Obviamente, ela é uma ativista para mulheres e homossexuais e em fazer tantas coisas grandes em sua vida, mas Peaches também faz isso de uma forma muito divertida e provocativa. Devo dizer que foi um dos meus momentos mais emocionantes no estúdio.
Fontes:
FRENCH MORNING – FRANÇA (04/05/2017)
Sobre o lado político e militante durante o “Concerto do Mar Morto”:
JMJ: Nosso trabalho como músico é fazer barulho. E fazer barulho, de alguma forma, em alguns lugares, pode ter consequências a nível social e político. A música, em todas as épocas, tinha um papel a desempenhar .
Tocar nos Estados Unidos:
JMJ: Eu queria essa turnê pelos Estados Unidos porque esse projeto nasceu graças a inúmeras colaborações com artistas americanos.
Sobre tocar “Exit”, colaboração com o delator americano Edward Snowden:
“Exit” com Snowden
JMJ: Este é um aspecto da turnê, que leva uma ressonância particular com a nova política atual nos Estados Unidos. O fato de que existem palavras ou não na minha música, não muda muito as coisas. Por contras, ir tocar nas margens do Mar Morto, por exemplo, isto envia uma mensagem. Música eletrônica tem um papel a desempenhar em termos políticos como as pessoas que fazem electro, por definição, muito mais perto de tecnologias digitais. E muitas questões sociais hoje vêm do desenvolvimento da internet e o papel dos principais jogadores na tecnologia tornaram-se monstros que controlam o planeta .
Fonte: https://frenchmorning.com/jean-michel-jarre-aux-etats-unis-musique-electro-a-role-politique-a-jouer/
ICI RADIO – TORONTO (CANADÁ) 08/05/2017
ICI – Por que você demorou tanto tempo para tocar no Canadá?
JMJ: Eu não sei. Por razões logísticas, nunca foi feito. O que é paradoxal. Canadá sempre foi uma inspiração para mim.
ICI – O Canadá tem sido uma fonte de inspiração?
JMJ: Quando eu era estudante, eu hesitei entre a pintura e a música. As artes visuais e tecnologia visual sempre me interessou. No Canadá, você tem um monte de pessoas que fizeram a diferença tecnicamente. E são alimentados com uma grande quantidade de pessoas de casa.
ICI – Como quem?
JMJ: Como Robert Lepage.
ICI – Quer trabalhar com Robert Lepage?
JMJ: Primeiro vamos ver se Robert Lepage quer trabalhar comigo. Mas eu ficaria feliz. Sempre que ele está em uma cidade onde eu vou vê-lo seu trabalho.
ICI: Será um público diferente dos seus shows indoor e outdoor ?
JMJ: Estes são os mesmos grupos. Na época, o público que me acompanha desde o meu primeiro álbum Oxygene, mas também um público que veio-me ver porque este novo álbum recebeu uma indicação ao Grammy. [Há] também pessoas que me conhecem por causa de minhas colaborações com Massive Attack, Air e M83.
Fonte: http://ici.radio-canada.ca/nouvelle/1032558/jean-michel-jarre-robert-lepage
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