Um dos músicos mais populares do mundo, pioneiro da música eletrônica e dos concertos em espaços abertos, estará na Eslováquia. Para o festival Starmus, prepara um espetáculo audiovisual especial chamado “Bridge from the Future”. O concerto será no dia 12 de maio próximo na Ponte SNP em Bratislava, com entrada gratuita. Como convidado especial da noite estará o cofundador do festival Starmus, o guitarrista Brian May.
Jean-Michel Jarre também se apresentará no festival de ciência e arte Starmus, no dia 12 de maio, em Bratislava. Um dos músicos mais populares do mundo, pioneiro da música eletrônica e de shows em espaços livres e espetáculos audiovisuais.
A notícia da sua ida para a Eslováquia teria certamente um impacto muito maior se o seu concerto tivesse sido realizado no início dos anos 1980. Quase nenhum artista estrangeiro tocava na Tchecoslováquia naquela época, mas os álbuns de Jarre eram muito populares no país, embora não pudessem ser adquiridos oficialmente.
Hoje está na casa dos setenta, mas em vez de relembrar prefere falar do presente e do futuro. Ele ainda está fazendo coisas novas e ainda gosta de tocar ao vivo. Ele levará para Bratislava um espetáculo áudio-visual chamado Bridge from the Future, no qual utiliza Inteligência Artificial. O cofundador do festival Starmus, o guitarrista Brian May, será o convidado especial do concerto, que acontecerá no estacionamento perto do Incheba com entrada gratuita.
Por que hoje você prefere novos projetos e não tocar o melhor de uma seleção de suas músicas do passado como muitos outros músicos famosos?
“Ainda estou mais interessado no futuro do que em me repetir – em termos de novas músicas e concertos. Mas, ao mesmo tempo, as possibilidades da tecnologia de hoje são um desafio tão grande que nos concertos também posso tocar as minhas coisas do passado distante e dar-lhes novas dimensões, por exemplo, os álbuns Oxygene ou Equinoxe. Quando falamos de atuações ao vivo, é sempre interessante fazer algum tipo de ligação com o público, o que é melhor quando as pessoas já sabem alguma coisa. Quando o contexto muda, há outros arranjos, você usa uma nova técnica imersiva como a Realidade Virtual ou a Inteligência Artificial, será necessariamente uma experiência diferente – para você e para o público. A Covid mudou muitas coisas, devemos contar com todas as ferramentas digitais para a comunicação para o bem. É preciso tentar buscar combinações híbridas entre evento ao vivo, exclusivamente ao vivo, que amamos, e ao mesmo tempo agregar algo de ferramentas técnicas futurísticas. É exatamente isto que estamos planejando para Bratislava. Não será um concerto comum, prefiro compará-lo a um eclipse solar, que só pode ser visto de vez em quando.”
Hoje em dia, quase nenhuma música é criada sem algum uso da tecnologia digital. Como essa técnica ajudou a criatividade?
“Agora você pode realmente criar qualquer coisa. Material completamente novo, assim como você pode repensar algumas músicas existentes de um ponto de vista diferente, com outros instrumentos. Os jovens artistas de hoje têm muita sorte, porque embora sempre reclamemos geração após geração ou décadas após décadas sobre o presente, é só porque ainda não temos uma distância do presente. No século passado as pessoas ficaram muito frustradas nos anos 1950, mas assim que chegaram nos anos 1960 ficaram fascinadas pela década anterior. Por sua vez, os anos 1970 foram considerados por muitos, depois da era dos anos 1960, como um período frustrante, e o mesmo ciclo retrô apareceu nas décadas subsequentes. É uma história interminável de rejeição do presente, capazes de responder ao presente como responderam às décadas anteriores, mas vão pensar que o presente é ótimo. Ok, a chegada da IA também pode ser vista como perturbadora. Por um lado você pode se preocupar com isso, mas eu ainda acho que é uma oportunidade incrível para artistas. Como a criação de qualquer obra de arte, é muitas vezes baseada em erros e coincidências, é baseada na rebelião, é enfadonho ainda criar dentro de algum cânone existente.”
O que você acha das novas opções de música ao vivo, como o “Sphere” em Las Vegas? Você gostaria de ver isso como um desafio de concerto? Aceitaria a oportunidade de fazer uma série de noites consecutivas como o U2 fez?
“Eu ficaria feliz se desse certo. Estamos em contato. Poderia ser interessante. O único problema é que quando algo novo se torna um formato bem definido, deixa de me interessar. O salão é ótimo, mas acho que podemos criar experiências imersivas em outros espaços, de outras formas. Por exemplo, com a ajuda da Inteligência Artificial ou da Realidade Aumentada, que me interessam muito ultimamente. Tenho um projeto conjunto com a jovem start-up francesa Lynx. Eles estão desenvolvendo um headset fantástico para Realidade Virtual, que muitos especialistas consideram melhor que o da Apple. Também estou pensando em uma versão itinerante de espetáculo audiovisual. Hoje existem possibilidades completamente novas. Você pode aproveitar a técnica binaural, Dolby Atmos, tudo isso oferece uma nova linguagem musical. Observe, entretanto, que no Sphere quase todo mundo até agora fala exclusivamente sobre os recursos visuais e quase ninguém fala sobre a qualidade do som e da música. Com espetáculos imersivos, não devemos esquecer que a música e o som são sensações ainda mais importantes para as pessoas. O campo visual básico sem virar a cabeça é de apenas 140°, enquanto os sons são panorâmicos, de 360°.”
O “Sphere Hall” tem 150 mil alto-falantes. Isso significa um desafio à parte para o compositor?
“Não necessariamente, porque às vezes menos é mais. Quando você tem uma música produzida em estéreo com dois alto-falantes e de repente você está embarcando na sua disposição em um espaço com milhares de alto-falantes, fico bastante cauteloso, porque a única solução já é compor música sabendo que será para mil alto-falantes. É como fazer uma peça para bandolim, mas ter uma orquestra sinfônica tocando. Pode ser interessante, mas acho melhor começar pela orquestra. Na época que eu estava estudando no GRM, também conhecido como Groupe de Recherches Musicales, trabalhava em formato multi-mono. Só mais tarde descobri o estéreo em alguns estúdios de gravação profissionais. Foi como um presente ter apenas dois alto-falantes. O som panorâmico, até o surgimento do Dolby Atmos e da pesquisa de Fraunhofer na Alemanha, não era tecnicamente viável, por exemplo quando eu quero que uma parte do arranjo, digamos, cordas, soe primeiro em uma parte do espectro sonoro e depois. mude-o para outro lugar. É muito emocionante termos passado séculos para criar o layout definitivo da orquestra. Ou seja, violinos à esquerda, violas ao centro, violoncelos e contrabaixos à direita. Está muito bem pensado. Toda música clássica é sobre isso. Mas com o som de 360° agora, você não está mais ouvindo música de frente, você está no meio dela. É por estas razões que estou interessado no Sphere Hall.”
No álbum Oxymore você planejou fazer algo similar junto com o pioneiro da música eletroacústica Pierre Henry. Foi ele quem te aconselhou no início da tua carreira musical para criares uma ponte entre a música clássica de vanguarda e a música pop?
“Não tive muito contato com ele quando estudante. O diretor do GRM na rádio francesa foi o pai da música concreta Pierre Schaeffer. Eu o conheci com mais intensidade. Nos conhecemos no final dos anos 1960 numa época em que os estudantes se revoltavam contra tudo, e a música eletrônica era uma ótima desculpa para se rebelar contra a música clássica e o jazz ou mesmo o rock consagrados. Esqueceu-se que, naquela época, as interligações dos mundos musicais dos Beatles com Stockhausen eram uma exceção. Para mim foi mais uma reação à abordagem extrema de que alguns trabalhos no campo da música contemporânea estavam se tornando cada vez mais especulativos e demasiadamente intelectuais.”
Quem exatamente você quer dizer?
“Por exemplo, Pierre Boulez ou Xenakis. Lembro-me que Xenakis deu uma palestra na nossa escola e disse que tudo na música relacionado com emoções é suspeito. E isso veio até aqui. Ainda estou mais interessado no futuro do que em me repetir – em termos de novas músicas e concertos.”
Você começou a se conectar com diferentes mundos da música porque quando era um jovem compositor em Paris assistiu a shows de grupos como The Who e Pink Floyd. E quando tinha dez anos viu o músico de jazz Chet Baker, certo?
“Interessante que você tenha mencionado The Who. Conversei com Pete Townshend há alguns dias. No meu álbum Electronica 1 temos uma música juntos. A música começou ao mesmo tempo. Chet Baker me disse duas coisas importantes. Na música, é importante fugir da melodia e da repetição o mais rápido possível. É sobre o seu próprio jeito, sua própria atitude. E a segunda coisa é que o som é importante na música. Mais tarde, descobri que existe uma ligação muito forte entre o jazz e a música eletrônica. O som é tudo. Por exemplo, que você tem milhões de pessoas que tocam trompete. Depois de alguns segundos você reconhecerá imediatamente que é tocado, por exemplo, por Chet Baker ou Miles Davis. Eu disse à PEOPLE que no Groupe de Recherches Musicales era um pouco arrogante chamar sua pesquisa de vanguardista porque são músicos progressistas que fazem a mesma coisa nas ruas. Quero dizer, experimentando gravadores e coisas assim. Devíamos ouvir o que está acontecendo do lado de fora do bunker acadêmico. Meu trabalho também foi uma espécie de reação, uma tentativa de criar esse tipo de ponte entre instrumentos eletrônicos e melodia. Quando digo melodia, não significa necessariamente escrever uma música, mas para mim a melodia é parte integrante da música. Música que eu adoro.”
Qual delas, exatamente?
“Aquela que lembra pintura abstrata. Você sabia que por um tempo hesitei entre ser artista visual ou músico? Eu gostava de Jackson Pollock, também gostava de Pierre Soulages ou Hans Hartung e de abstracionistas líricos. Na minha opinião, arte abstrata deveria ser chamada de ‘peinture concrète’, especificamente pintura como equivalente ao termo música concreta, porque se afasta da representação figurativa da realidade. Tomo a pintura figurativa como uma canção, onde a melodia é uma descrição com letra, emoções e tudo mais. Por outro lado, a pintura abstrata ou pintura não figurativa é na verdade um trabalho muito orgânico com o material, trabalhando texturas e cores e usando lama, óleo e texturas diversas. Tem esse tipo de abordagem sexual direta, orgânica, quase sensual à expressão, que é exatamente o que acontece com a música eletrônica. Então isso realmente me intrigou, e a melodia é um componente da minha receita.”
Seus professores tiveram problemas com você por querer fazer as coisas do seu jeito?
“Quando estudei piano, minha primeira professora era bastante sádica. Ela batia nos meus dedos, porque toda vez que eu conhecia a melodia de uma música eu começava a improvisar. Eu tinha sete anos e absolutamente odiava aquela mulher. Até escrevi nas paredes do meu quarto ‘odeio piano’. Felizmente, tive a sorte de ter professores mais abertos.”
Aos trinta anos, você era um dos músicos de maior sucesso do mundo. Você conseguia imaginar fazer um show para um milhão de pessoas?
“Hoje vejo isso como uma feliz coincidência. Quando toquei minha própria música eletrônica pela primeira vez, foi como uma espécie de experimentação gratuita. E um milhão de pessoas assistiram. Demorei um ano inteiro para superar. Mais ofertas começaram a chegar para grandes eventos e algumas pessoas pensaram que era minha decisão ter sucesso comercial, mas nem sempre você pode esperar algo assim com antecedência. É como prever um sucesso. Eu não estava interessado em reescrever o Guinness Book ou algo assim.”
Você sabia que é famoso até nos países atrás da Cortina de Ferro? Normalmente não era possível acessar discos ocidentais aqui, mas muitas pessoas na Europa Oriental tinham seus álbuns Oxygene e Equinoxe em casa.
“É engraçado você dizer isso, porque anos depois descobri que na Rússia minha música foi proibida em determinado momento porque se tornou um símbolo de fuga e liberdade. Isso realmente me intrigou.”
Ao longo dos anos 1980, a sua música tornou-se particularmente popular na Tchecoslováquia. As pessoas copiavam em fitas cassete e, embora sejam instrumentais eletrônicas, muitos até cantarolaram suas melodias.
“Ouvi isto, algumas pessoas até me mencionaram que em Bratislava costumavam ir às colinas sintonizar o melhor sinal da rádio vienense e gravar música.”
Você sabia que sua música era ilegal?
“Era pirataria, mas muito positiva. Prefiro esse tipo de pirataria ao Spotify. Não estou reclamando dos serviços de streaming, porque o streaming em si é ótimo. Mas deve haver condições justas para os artistas. Também na França há agora um grande debate sobre este assunto, e estou também a falar com o nosso Ministro da Cultura sobre isso. O tema é que deveríamos criar uma espécie de contribuição para plataformas de música. Muitas pessoas já entendem que, por exemplo, durante uma pandemia, os músicos não podem realizar concertos, por isso não podem ganhar. Mas esquecem que há muitos músicos que não tocam. Você simplesmente tem compositores e autores que não querem ou não podem realizar concertos, isso não é o trabalho deles. E passo a passo eles estão sendo apagados deste setor da música. Em muitas plataformas, você não vê o nome do compositor ou autor da música ou a letra. Assim, poderiam obter pelo menos uma pequena contribuição destas plataformas geradoras de milhares de milhões. No entanto, é chocante que para as grandes empresas isto não signifique nada e elas sejam contra.”
Por que elas são contra?
“Elas temem que isso tenha efeitos em cascata em outros países. Tópicos de propriedade intelectual e direitos autorais foram inaugurados no final do século XVIII na França de Beaumarchais. Os apelos para novas discussões sobre isso sempre vêm da França e da Europa. As grandes empresas e plataformas podem ficar chocadas por pedirmos uma contribuição de um por cento, mas o fato é que ao longo dos anos da década de 1980, apenas 20% dos rendimentos dos músicos eram de turnês. Apenas um quinto. Hoje são 80%. Não está bom. Outra coisa é que quando comparamos o Spotify com o Netflix, este último financia pelo menos massivamente novos filmes e séries. O Spotify e outros grandes serviços de streaming de áudio oferecem aos criadores recompensas mínimas com o argumento de que estão fazendo uma promoção. Eles estabelecem suas próprias regras. Então aqui está algo que precisa ser ajustado. Não sou contra plataformas. Só estou dizendo: bom, temos um novo bolo digital. Nós, como músicos, temos que fazer parte dele. Isso é tudo.”
No ano passado você lançou Oxymoreworks, no qual colaboraram vários convidados – o produtor Brian Eno, Martin Gore do Depeche Mode ou o DJ Armin van Buuren. Como essas gravações estão relacionadas?
“De certa forma, eu queria desenvolver ainda mais o conceito dos álbuns Electronica, que formaram colaborações em músicas com diferentes convidados, na verdade eram duetos de autores. Quando lancei Oxymore, pensei que seria legal pedir a algumas pessoas para retrabalhar algumas de minhas músicas.”
Por que você não chama isso de remixes, mas sim de retrabalhos?
“Porque aqui as pessoas se inspiraram apenas em uma música e criaram algo completamente novo. Devo dizer que gostei muito do processo e adoro o fato deste álbum ser algo diferente, como se formassem os primos e sobrinhos das composições originais. Eu não queria remixes clássicos, mas sim envolver conceitualmente pessoas diferentes. Músicos de diferentes gêneros e gerações, o que acho interessante.”
Qual foi sua reação a esses álbuns? Os fãs e críticos acolheram bem o fato de Jarre estar tentando algo novo, ou exigiu um retorno às antigas criações?
“Muitos alegaram que ainda preferem os álbuns Oxygene e Equinoxe, que há muita bateria e outros elementos novos aqui. Mas se você se repetir, se fizer algo muito parecido com o seu trabalho anterior, os outros dirão: ‘Ah, nada de novo novamente, ele não tem outras ideias?’. E quando você traz outra coisa, outro grupo de pessoas te critica por tentar a todo custo. Parece que a melhor maneira é não fazer nada. Se você não fizer nada, saberá que está aposentado. Ser um músico famoso é quase impossível.
Fonte: Napunk N
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